Entrevista exclusiva a Mostruo!: “El under es una condición de facto”

   El grupo conformado por Kubilai Medina, Lucas Finocchi, Gabriel Ricci y Luciano Mutinelli celebra diez años de vida con el lanzamiento de Profunda Desorganización, su nuevo disco de estudio. Yo Soy la Morsa se tomó la costera y cayó en la Ciudad de las Diagonales para ver qué onda con una de las deidades más adoradas del under platense.

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Lanzado hace menos de un mes, Profunda Desorganización es un salto de calidad en la discografía de una banda que viene labrando su década ganada a base de quemar las suelas al costado de Camino General Belgrano. A este nuevo disco – que viene a desarmar la trilogía compuesta por Grosso (2007), La Nueva Gran Cosa (2009) y Perfecto (2011) – sus miembros lo definen como su álbum más maduro, mientras que los medios especializados que pululan por la sinergia de la red se afanan en subrayar el carácter “existencial” del mismo. “Quizás sea un disco en el que vayamos mas al hueso en algunas cuestiones, y estemos menos miedosos de decir que somos una manga de neuróticos fallados preguntándose cómo seguir con el día a día”, se paran de mano sus integrantes, ponderando quizás inconscientemente el mismo método que los llevó a hacerse un nombre en el circuito musical independiente: perder el miedo.

Una de las particularidades interesantes de Mostruo! es que esa relación con la independencia artística no devino en la tan saturada dependencia estética del sonido indie (copias de mala muerte de El Mató a un Policía Motorizado no escasean, precisamente). En cambio, en el repertorio de la banda no falta ni funk, ni r&b ni blues, todas negras todas que bailan al compás del rock/pop -sí, en ese orden- que conforma el núcleo duro (Ricci y Mutinelli es igual a bajo y batería) de las composiciones, y que llevan la estampa vocal de Medina y Finocchi: “A todos nos gusta la música que no dependa de una estética sino de su contenido. Por eso las canciones mandan por sobre los géneros”, sueltan cabos.

ENTREVISTA

   – ¿Cuándo y bajo qué circunstancias se formó Mostruo!?

– Era octubre de 2004 y llegaba el verano. Kubilai tenía una pelopincho y una batería en su casa. Hacía poco se había desarmado la banda que compartían con Luciano y algo había que hacer. Entre la efervescencia de la primavera/verano, las cervezas y asados en el fondo de la casa y la energía que produjo el encuentro de personalidades tan distintas, no podía pasar otra cosa que crear un monstruo. Tan así fue que en marzo de 2005 fuimos al estudio de un amigo y grabamos “Corto” (su primer ep), antes de tocar por primera vez en vivo.

 – ¿Cuáles son sus músicos y estilos favoritos?

– A todos nos gusta la música que no dependa de una estética sino de su contenido. Por eso las canciones mandan por sobre los géneros. Ahí están los obvios, de acá y de allá, desde los Beatles a Spinetta. Por ahí en Wilco se puede encontrar el punto más cercano en gustos, y es algo que aún existe. Lo cual no implica que queramos ser Wilco, pese a que en vivo tocamos “I Hate it here”. Quien nos escuche también puede sacar como conclusión que estilísticamente no estamos limitados. Todo está al servicio de lo que la canción pida. Así como también hay canciones al servicio de lo que queremos tocar.

 – Hablando de ese tipo de límites, lograron trascender en la escena under sin la necesidad de magnetizarse al sonido característico del indie ¿Cómo lo lograron?

– Bueno, el under es una condición de facto… La trascendencia se da por el valor que obtenga la obra. Nosotros no elegimos el under, tampoco elegimos el “mainstream”. En estos tiempos, donde no hay industria discográfica para motorizar la difusión, pasar de 200 a 1000 personas es cada vez más difícil. Dando ese salto, es posible trascender a la ciudad y hacer sustentable a la banda, paso previo indispensable para ser un grupo conocido. Pero no fue el objetivo de la banda pertenecer a priori a ninguna movida.

Con respecto al sonido indie, es más una generalización que suele hacer la prensa especializada. Siempre nos resultó extraño el combo al que nos ataron cuando arrancamos, éramos todos muy distintos y lo seguimos siendo. Hay una generación que le perdió el miedo a la exposición, y entonces salieron cantantes y guitarristas que mucho no afinaban pero grabaron igual, y eso es una condición general del arte, arriesgarse. Pero creemos que tuvo mas que ver con el atrevimiento que con una búsqueda estética, después de eso vino mucha gente a copiar la forma y ahí ya los resultados son mas discutibles, como pasa muchas veces acá, con las copias de Los Redondos.

Nosotros tenemos el sueño de sonar siempre mejor y cada vez más cerca de los discos que admiramos, como “Sky blue sky” (Wilko) o “Marquee moon” (Television). Laburamos mucho para lograr eso en los discos, no hay mucho más que eso.

 – ¿Creyeron alguna vez que esta variedad sonora podía devenir en disminución de audiencia al no estar encasillados en un solo estilo?

– Por lo dicho antes, creo que queda claro que la banda no calcula mucho sus pasos. Porque también nos cuesta distinguir las “escenas”, tendencias y públicos. A nosotros nos mueve las ganas de tocar, de grabar y de hacer shows. Cuanta más gente haya, mejor. Pero nos cuesta darle lugar a un manager, o a alguien que tenga un plan. Y sí, son necesarios, pero al mismo tiempo la libertad de hacer lo que hacemos como queremos es de difícil negociación… Por no decir imposible. Rogamos por alguien que nos diga dónde y cómo ir, pero como no lo encontramos, seguimos así… en modo Mostruo!.

Foto: Fernando Massobrio

Foto: Fernando Massobrio

 – ¿Qué representa para ustedes la escena platense?

– La Plata es una ciudad atípica en el sentido de que ha construido público. Y eso es genial. No hay shows vacíos, y menos para un grupo de bandas que tienen ya su tiempo, aunque hay una especie de Primera A, B y C, con ascensos y descensos. Y con leer cualquier publicación dedicada al rock uno se va a encontrar con buenos shows cada fin de semana. Quizás en los últimos tiempos haya algo más de atención por parte de quienes buscan negocio y los políticos, pero – como siempre – tarde, torpe e ineficazmente. Hace falta consolidar la escena, pero no se nos ocurre cómo… Mientras tanto, para nosotros es la ciudad en la que podemos hacer 20 recitales en un año y en todos ellos hay público cantando las canciones. Es algo medio idílico, soñado en algún punto.

 – ¿Qué es lo que no falta en un show de Mostruo!?

– En La Plata, gente. Y en cualquier show, cuatro tipos tocando seguros de por qué lo hacen disfrutándolo mucho. Mostruo! en vivo potencia lo que se grabó.

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Captura del show del pasado 15 de diciembre en el teatro Orlando Goñi, Capital Federal.

 

   – ¿Es “Profunda Desorganización” un disco con mayor producción que los anteriores?

– Se puede decir que es el disco de la madurez. Ya no hay guiños atacando las poses del rock, ni tanta ironía… Desde lo musical, hay una evolución que busca que la canción llegue a su mejor expresión, además de dejar actuar a Alfredo Calvelo, quien siempre nos grabó, pero que esta vez le cedimos la producción artística. Y eso un poco nos sacó el peso de decidir todo y aceptar ideas que no hubiésemos aceptado de nosotros mismos. Además, en lo concreto hubo más laburo: trabajamos mucho más los arreglos, mangueamos instrumentos, pensamos más los coros, y nos comprometimos de otra manera. Está buenísimo si se nota, porque esa era la búsqueda, que sea un volantazo a otra cosa a partir de un salto de calidad.

 – En más de un sitio leí que este es su disco más “existencial”. ¿Qué opinan de esta caracterización?
– En este disco hay más canciones en los que la letra es la protagonista y la banda le puso la ropa… Quizás al tener más producción también sumó algo de maquillaje y photoshop. Quizás sea Profunda Desorganización un disco en el que vayamos más al hueso en algunas cuestiones, y estemos menos miedosos de decir que somos una manga de neuróticos fallados preguntándose cómo seguir con el día a día.

 – ¿Qué tan influyente es para ustedes el primer rock argentino? ¿Creen que se lo valora lo suficiente en la actualidad?

– En el caso nuestro, por edades y también por cuestiones familiares siempre estuvo presente (Kubilai es hijo del bajista de Manal Alejandro Medina, leyenda viva del rock fundacional argento) pero no se piensa en eso en el momento de hacer algo… Es más inconsciente, además de ir en el ADN. Y sí que se lo valora, siempre salen películas y documentales que así lo demuestran. Es cierto que no hay un Edelmiro Molinari en el Personal Fest, y suena raro pensarlo, pero cuando ves el line up de un festival inglés y aparece uno de los Kinks nadie dice nada, es triste pero es parte de nuestra cultura ir desechando las cosas, también es cierto que el que no cambia se muere y somos muy crueles para hacerlo notar.

 – Por último, ¿Qué opinan de la escena musical que hoy predomina en el rock local?

– Vemos una escena independiente que tiene para todos los gustos, y que cada vez suena mejor. Hay de todo, basta recorrer Bandcamp o escuchar radios como Universidad o Provincia en La Plata para darte cuenta de que es un gran momento para la música argentina en general, solo que la industria no lo ve o no le rinde ir a buscar algo nuevo y apoyarlo. En el mainstream sin Cerati y El Flaco, hemos quedado huérfanos de esos tipos que te hacían pensar, que como compositores eran infalibles, que estaban por encima de la media. Las bandas que se consideran hoy como líderes, lo son y hay mucha gente que las sigue pero no hay un cantante que te mueva el corazón o un guitarrista que destrabe algo, y son fórmulas que ya cumplen décadas. Ojalá en algún momento algún sello grande se arriesgue un poco y apueste a un proyecto no tan literal… Hay que ver también si como público somos capaces de aceptarlo.

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Foto: Fernando Massobrio

 

Disco de la semana: Hypnotic Eye – Tom Petty & The Heartbreakers

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  En medio de un revival de viejas bandas lideradas por músicos que habitualmente destacaríamos  por sus carreras solistas  –  como los casos de Neil Young & Crazy Horse y Nick Cave & The Bad Seeds  – Tom Petty vuelve a reunirse con sus queridos  Heartbreakers luego de varios años de álbumes y giras en solitario.  Hypnotic Eye es un claro ejercicio de lo mejor que sabe hacer este baluarte del rock yankee liderando a sus goodfellas: rock cuadradón y rutero.  La pulsión rítmica de la banda viaja sin sobresaltos ni desviaciones por el carril lento de la autopista, con un Petty al volante que sabe que este es uno de sus últimos spins por la carretera y no hace más que entregarse sabiamente a las bondades de un viaje risueño pero no por eso falto de power.

  Si bien no es un disco ultra rockero, Hypnotic Eye se las ingenia para entregarnos de lo mejor de la carrera de Petty & The Heartbreakers en materia de rock adulto y maduro. En lo referente a los matices sonoros, aires de psciodelia, blues y hasta swing jazz danzan sincrónicamente resguardando en su interior un núcleo rockero en clave cuatro cuartos  que con pulso moderado  y marcado nos va sumergiendo con solvencia en las profundidades del álbum. Petty – quien firma como solista en diez de los 11 tracks – pela solos rabiosos que sorprenden por su destreza y por su locuaz ubicación en el climax de cada canción.  Nada está de más en Hypnotic Eye, y por eso funciona tan bien.

 

Entrevista exclusiva a Eruca Sativa: Desde Córdoba con distorsión.

Nota publicada el miércoles 29 de mayo en el Suplemento Cultural Yo Soy La Morsa.

Nota publicada el miércoles 29 de mayo en el Suplemento Cultural Yo Soy La Morsa.

Doce menos cuarto de la noche. Parados al borde del andén de la estación de Lanús, Martín  y yo debatimos sobre cosas no tan importantes como el significado de la vida y el devenir del ser humano.  Interrumpiéndonos, un guarda nos informa que no queda más que un tren que nos saque de la tumultuosa e inhóspita Ciudad de las Inundaciones. Nuestra entrevista con los protagonistas de esta nota estaba pactada inicialmente para medianoche. Sabiendo que el llegar a tiempo era una empresa imposible, trato de ubicar a Pablo, el manager de la banda y mi único contacto para llegar a los muchachos. “Por favor, deje un mensaje después del tono”. Sin peor respuesta posible que aquella, me dispongo a desear no haber nacido nunca. La oportunidad de entrevistar a una de las bandas emergentes más importantes de la escena nacional, desperdiciada.  Sin ya nada que perder, nos estamos por retirar de la estación, para volver a casa…

De repente, un halo de luz brillante ilumina nuestras caras: Era el último Roca de la noche, la tan preciada formación que tanto estábamos esperando. Sin pensarlo mucho, nos metimos en el vagón y salimos con destino a Temperley, en donde tendríamos que hacer combinación con el tren destino a Glew, si es que todavía quedaba alguno.

Luego de cuatro estaciones, nos encontrarnos en la gigantesca estación de Temperley, en donde todos los ramales de la Línea General Roca confluyen. Del otro lado del andén vemos un Glew a punto de partir y, más jugados que nunca, nos mandamos dentro. Las puertas se cierran lentamente, y la formación comienza su lenta pero segura marcha.

Medianoche. En medio del trayecto y a la hora señalada para la entrevista intento comunicarme una vez más con Pablo, para decirle que estamos en camino. “Por favor, deje un mensaje después del tono”. La voz de la contestadora aturdió mis oídos una vez más, dejando en claro de una vez por todas que este viaje parecía ser en vano. Lo peor era que más allá de que no llegásemos ni a realizar la entrevista ni a poder acceder al show, no tendríamos forma de volver a casa, quedándonos varados hasta que el transporte público volviese a funcionar…

Luego de pasar por la estación de Adrogué, el tren se para,  y un cartel nos indica que efectivamente estamos en Burzaco. Sin saber si lo que vamos a hacer tiene algún sentido, nos bajamos y nos disponemos a buscar el famoso Teatro Independiente.

Doce y veinte de la noche. Luego de ir dando tumbos por las calles aledañas a la estación, nos topamos con un grupo de fans de la banda que nos indican cómo llegar al lugar en cuestión. Resulta que el Teatro Independiente no le debe su nombre a una cuestión meramente under, sino que se llama así ya que pertenece al Club Atlético Independiente de Burzaco. Dirigiéndonos hacia la calle Pellegrini, las ansias comenzaban a subir…

Parados a la altura 557, llegamos a lo que parece ser la entrada del club. Entre muchas caras está la de Pablo, que me recibe cordialmente y, pese a que llegamos media hora tarde, me avisa que está por ir a buscar a los muchachos para hacer la nota. Mientras nos volvía el alma al cuerpo, hacemos tiempo disfrutando del show de Utopians, que está tocando la canción que da nombre a su último trabajo y que define muy bien la esencia de la emergente banda: Trastornados.

De pronto, allí están ellos: Los Eruca Sativa: Lula Bertoldi (guitarra y voz), Brenda Martín (Bajo y Coros) y Gabriel Pedernera (Batería), luciendo unas descomunales sonrisas. Saludándonos, nos invitan a pasar a la suerte de camarín que el club ofrece a los artistas cada vez que un show se realiza en sus instalaciones. Mientras Utopians sigue sonando de fondo, el grabador se enciende…

El autor destaca una gran humildad por parte de los integrantes de la banda.

En sus composiciones encontramos un nivel de complejidad musical que suele estar por encima de la media de bandas de rock argentino de la actualidad. ¿Por qué creen que sus canciones pegaron en el público sin la necesidad de estar limitadas musicalmente?

Lula: No sabría decirte si  el resto de las bandas son limitadas. Creo que cada banda tiene un lenguaje, el nuestro es este. Encontramos nuestra forma de expresarnos tanto lirica como musicalmente. Por momento si, capaz que somos complejos, utilizamos cosas que quizás no se suelen usar. Y es forma parte de nuestro lenguaje, ahí encontramos nuestra personalidad. Me parece genial que haya bandas para todos los gustos, y está bueno esa variedad  que a la gente le guste una banda que no utilice arreglos como los nuestros y una que si lo utiliza como la nuestra.

¿Consideran que a las bandas del interior no les queda otra alternativa que migrar a Buenos Aires para emerger del under?

Gabriel: Depende, me parece que el camino de cada banda depende también de los objetivos que se planteen. No es necesario nada, ni mudarse ni quedarse. Depende de lo que vos quieras para tu carrera y para el grupo, no solo humano, sino profesionalmente. Si vos querés seguir tocando en el mismo pueblito al que pertenecés, es completamente válido y es una propuesta artística totalmente válida. Por lo menos, en nuestro caso, decidimos que agotamos todos los recursos posibles que teníamos en Córdoba, y decidimos inventar el cambio, inventar otra ciudad, inventar otro público, implementar otra forma de laburo,  y poner nuestra sede de trabajo en Capital Federal. De todas maneras, seguimos viajando mucho por todo el país, que eso también lo hacíamos cuando estábamos Córdoba.

 

Sonrisas. Esas nunca faltan en los shows de Eruca Sativa.

Sonrisas. Esas nunca faltan en los shows de Eruca Sativa.

¿Por qué decidieron llamar “Blanco” al disco?

Brenda: El término “Blanco” surgió bajo la idea de que tenga un múltiple mensaje. Nos gustaba la idea del blanco como de limpio, como estar en cero, en armonía, como cuando uno nace: es decir, estar sin nada. Y después, cuando uno se va transformando, se va convirtiendo en un blanco de tiro donde te apuntan un montón de cosas, como los medios, la información, y un montón de condicionamientos como la familia, la sociedad y la cultura. También está la idea de tener la mente en blanco. Pero volviendo a la idea de “blanco” como sinónimo de estar en cero, cuando nosotros tratamos de mirarnos desde afuera, sentimos que estamos terminando una etapa, y que estamos como en cero, y tiene que ver con eso, con empezar algo nuevo, lo que se viene.

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Vienen de tocar en Las Flores en el marco del festival Bike Skater Rockea, ¿Qué balance hacen del show?

Brenda: ¡Estuvo buenísimo! Fue una experiencia re linda, estuvimos en Luján primero, y después en Las Flores, y próximamente vamos a estar en alguna otra fecha de esas. Estuvo muy bueno ser parte, que nos tengan en cuenta para formar parte de esta grilla, y nos permite a  nosotros también tocar para un público que capaz no nos iría ver en otras circunstancias. Los eventos son abiertos a todo público, van muchos chicos y adultos y de todo tipos de ambientes.

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¿Qué se sintió compartir escenario junto a Fabi Cantilo dentro de este festival?

Lula: Bueno, eso estuvo increíble, eso fue el primer día, en Luján. Y  pegamos tanta buena onda que quedamos para el fin de semana siguiente en Las Flores. Con Fabi estuvimos tocando un tema juntos y estuvo buenísimo. Nosotros la admiramos mucho ella, es una de las mujeres íconos del Rock Nacional, y fue muy importante para nosotros. Pensamos que algo especial  hizo en la vida para que compartamos escenario con una referente como Fabi. En sí estuvo muy bueno, y lo disfrutamos un montón.

¿Tocaron alguna vez en zona sur?

 Brenda: En Zona sur tocamos varias veces. Uno de los primeros lugares en los que tocamos en Provincia fue en Lanús, tocamos en Summun Bar. También tocamos en Adrogué y Quilmes.

¿Cuál fue el show que mejor recuerden tocando por estos lados?

Gabriel: Yo creo que cuando habíamos tocado en el otro Peteco´s, en Adrogué. Fue la segunda o tercera vez que tocábamos en el Sur y la verdad es que estuvo muy bueno, siempre que venimos nos reciben muy bien.

Foto: debrown.com.ar

Foto: debrown.com.ar

 ¿Qué nos pueden adelantar sobre el futuro de la banda?

Gabriel: Tenemos muchas ganas de seguir tocando este disco que salió hace muy poco, creemos que no lo hemos tocado lo suficiente. Blanco salió recién en noviembre del año pasado y creo que aún le queda un largo camino. Tenemos muchas ganas de tocar y seguir tocando y llevando nuestra música a todos lados.

Terminada la entrevista, los chicos nos saludan afectivamente y nos agradecen por la posibilidad de haber realizado la nota. Con la enorme humildad que caracteriza a estos tres chicos del Interior, se van a terminar de ver el show de Utopians que, en palabras de Lula: “Está buenísimo”.

Martín y yo nos disponemos a seguir a los chicos, y nos vamos al sector del teatro, en donde los Utopians están quemando sus últimos cartuchos…

Utopians es una de las bandas que, junto a Eruca Sativa, están liderando la escena under y no tan under del Rock Argentino. Conformada por Barbi Recanati (cantante y guitarrista) Gus fIocchi (guitarra), Larry Fus (baterista) y Mario Romero (Bajista), Utopians viene girando desde 2005. Han sido invitados a tocar en Inglaterra, Francia y España. En 2012, bajo la producción de PopArt lanzan “Trastornados”, su más reciente placa, la cual los catapultó a ese estado transitorio entre lo más alto del under y los cimientos del mainstream.

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Utopians haciendo vibrar el Independiente. Foto: debrown.com.ar

Una y media de la madrugada. El show de Utopians llega a su fin, y con él comienzan a crecer las expectativas por el inminente comienzo de la presentación de nuestros protagonistas. Mientras los plomos terminan de acomodar los instrumentos y probar sonido, Martín se va acomodando entre las primeras filas para capturar las fotos que acompañan esta nota.

De pronto, vemos aparecer a Lula, Brenda y Gabriel, y el público se deshace las manos en aplausos para recibirlos. Una vez acomodados, y con Fuera o Más Allá (el tema que abre el disco “Blanco”) como apertura, el ritual de La Carne se inicia…

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El show contó con las canciones más influyentes en la historia del grupo, un cover y la reproducción de todas las piezas de su flamante tercer álbum: Blanco.

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 Estilos e influencias

Escuchando a Eruca Sativa podemos encontrar aires a Rock progresivo, Grunge, Funk y riffs que nos recuerdan por momentos a Led Zeppelin y a muchas bandas de Rock Clásico.

Ellos mismos definen el estilo musical de la banda como Rock de Fusión. Fusión en el sentido de integrar más de un género musical a la personalidad del grupo. Otra de las características distintivas de Eruca es el constante cambio de tempo en sus canciones.

Aquí podemos trazar un paralelo con el significado del nombre de la banda: Originalmente, el grupo se llamaba Oruga, bajo los conceptos de cambio y transformación en los cuales  la banda se veía constantemente sometida. Como no les gustaba mucho, decidieron cambiarlo por Eruca Sativa, que es el nombre científico de la rúcula, aquella planta que en algunos países se conoce como oruga.

En lo estilístico, Lula es la encargada de crear las distorsionadas e impulsivas melodías que definen el eléctrico estilo de la banda. Sus riffs son de una carga muy pesada y son los culpables de que las canciones de Eruca posean tanta onda y una personalidad tan particular.

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Otra de las características distintivas de Eruca Sativa son las poderosas líneas de bajo a cargo de Brenda que no solo se encargan de dirigir rítmicamente el espíritu de la banda, sino que se apoderan de tus oídos convirtiéndose en el instrumento principal de muchas composiciones del grupo, puesto que suele estar siempre ocupado por la guitarra en la gran mayoría de las bandas de la escena nacional.

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Mención aparte por la destreza de Gabriel frente a los parches. Este niño prodigio que comenzó a estudiar batería a la temprana edad de ocho años cuenta entre su extenso CV la dicha ser  músico de cesión, al haberse desempeñado en grupos de Jazz, Pop, Rock y Folclore. También es profesor de batería productor artístico de diversas bandas de Pop y Rock.

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Comienza a sonar Eco, segunda pieza de Blanco y segunda canción del show, que entra perfectamente sincronizado con el final de Fuera o más Allá. De repente,  Se hace un breve silencio. Pasados unos segundos, comienza a sonar el ascendente riff de La Carne, aquella canción que supo ser el primer hit de la banda y que da nombre a su primer disco. Un bipolar cover de Eleanor Rigby de Los Beatles ensombrece a la vez que electrifica a todas las almas que copan el Independiente, con una Lula que, aunque canta en el idioma original de la composición firmada por Lennon/MacCartney, lo hace con una rabia tal que parece que hablara en su lengua materna.

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Guitarras de cartón es otro de los highlights de la noche. Cantado a dúo con Fito Páez en la versión de Blanco, es una bella obra compuesta bajo un aura melancólica que pareciera narrar una infancia muy lejana en el tiempo. Una Lula totalmente desgarrada canta: “El futuro y la memoria/ Van pisando nuestros pasos /Nada queda más que espacio y/ Vuelvo a mi”. Un bajo ultra funky marca la entrada de El Balcón. Mientras Brenda y sus cuatro cuerdas se encargan de marcar el frenético impulso que lleva adelante a la banda, Lula frasea al ritmo de “En este ritual de poseer/Hay que bailar para tener”. De esta forma los Eruca hacen saltar al carnívoro pogo ubicado contra la valla de seguridad.

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Una intro marcada por un bajo nuevamente protagonista, pero esta vez bien metalero  hace saltar a todo el público, que ya sabe lo que se aproxima: Magoo, una de las canciones más representativas de la banda, y el gran hit que podemos encontrar en ES, su segundo álbum de estudio. Luego de escuchar los clásicos de discos anteriores como Quemas y Para Nadie, se aproxima el bis final que cerrará tan eléctrico show: Desdobla.  Sin dudas la canción más poguera de la banda, con un frenético ritmo  a pura velocidad, con una Lula totalmente sacada que exige  a los cuatro vientos:  / Para hacerlo a mi manera”.

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Tres y veinte de la madrugada. Luego de finalizado el show, los muchachos se acercan al público y hacen la típica reverencia de despedida y, antes de retirarse, se disponen a regalar sus púas y palillos. A Gabriel le llegué a gritar “Tirame un palo, Gabi”, a lo que me revolea uno de sus DT Music, el cual es atajado por un pibe que estaba justo delante de mí. “En otra será”, me dije a mí mismo y a Martín, quien estaba más contento que un nene en una juguetería, con sus más de cien fotos capturadas.

El público, más que satisfecho, comienza a desaparecer del Independiente, y entre esa marea de gente no faltamos nosotros. Luego de una noche a puro rock en la que no faltó nada, nos disponemos a marcharnos a casa, pero sin olvidarnos que siempre va a haber otro mundo fuera o más allá...

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No te pierdas la galería de fotos del show de Eruca Sativa en Peteco´s. Fotos por Martín Ibarra.

The Next Day, de David Bowie: Volvió el Duque, más melancólico que nunca.

David Bowie's The Next Day

10 años. Esa es la cantidad de tiempo que tardó David Bowie en meterse a un estudio de grabación. Y qué mejor manera que romper esa década de silencio que con la presentación sorpresa del single Where are we now? el mismo día de su cumpleaños – 8 de enero- y con videoclip incluido. La canción en cuestión es una balada en clave melancólica, un tanto inesperada como encargada de promocionar el inminente lanzamiento de The Next Day. Bowie le canta a diversos pasajes de su añorada Berlín de fines de los 70´s  En el medio de tantas referencias geográficas, Bowie mete un desgarrado estribillo que reza: ¿Dónde estamos ahora?/El momento en el que lo sabés/Sabés que lo sabés”

Dos semanas después de la presentación de Where are we now? salió a la luz The Stars (Are Out Tonight), segundo corte de The Next Day que también cuenta con videoclip.

En él,  Bowie y la actriz  Tilda Swinton encarnan a una pareja común y corriente que comienza a verse alterada por la llegada de nuevos vecinos al vecindario, nada más ni nada menos que dos estrellas de Rock. los modelos Saskia De Brauw y Andrej Pejić son los encargados de encarnar a esta pareja rockera que comienza a complicarle las cosa al matrimonio longevo. En lo que respecta a la musicalidad del tema, nos encontramos frente a una canción bien guitarrera y rockeada en lo melódico, y con una base rítmica marcadamente popera. En conclusión, un segundo corte que deja bien en alto el espíritu ochentoso que Bowie ayudó a implantar junto a otros grandes de la música popular en el inconsciente colectivo de muchas generaciones.

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Noticias del mundo del Rock: 23/02

DEEP PURPLE PREPARA EL LANZAMIENTO DE NUEVO DISCO DE ESTUDIO///

El 2013 nos traerá entre otras cosas un nuevo disco de Deep Purple. El grupo inglés liderado por Ian Pace e Ian Gillan tiene todo listo para lanzar su decimonoveno álbum de estudio y el primero después de siete años de silencio discográfico.

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Si bien todavía no hay indicios del nombre que llevará el nuevo trabajo, el grupo decidió adelantar algunos minutos de una de las canciones que formará parte del disco. “Es muy difícil definir lo que es una canción de Deep Purple; es cualquier cosa que hagamos… de hecho, nosotros escribimos las reglas” explicó Roger Glover en la presentación del video.

La fecha de lanzamiento oficial del decimonoveno álbum de Deep Purple será el 26 de abril aunque recién el 1 de mayo se podrá conseguir en todo el mundo.

SALE A LA LUZ UN TEMA INEDITO DE JIMI HENDRIX///

Estamos a días del lanzamiento de People, Hell & Angels, el nuevo disco póstumo de Hendrix, el cual ya tiene su segundo adelanto y se trata del tema que  dejo aquí para que escuchen: Earth Blues, canción que abrirá el álbum que tiene fecha de salida para el próximo 5 de marzo.

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“En estas doce canciones está lo mejor de Hendrix y es especial ya que después de este álbum de estudio, no habrá más”, aseguró el ingeniero y productor Eddie Kramer ( Yes, Led Zeppelin, The Rolling Stones), quien se encargó del sonido de muchos conciertos del músico, incluido su legendario paso por Woodstock.

Earth Blues fue grabada junto al baterista Buddy Miles y al bajista Stephen Stills y que hoy ven la luz a más de cuarenta años de la muerte de uno de los más grandes guitarristas de la historia.

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CRECEN LAS EXPECTATIVAS POR UN NUEVO SHOW DE PAUL MCARTNEY EN LA ARGENTINA///

Seguimos a la espera de la confirmación del show de Paul McCartney en Buenos Aires. La noticia, que nació como un rumor la última semana  va tomando color y tintes de realidad. Al parecer en Brasil tienen todo arreglado para que Macca vuelva a presentarse en vivo en ese país.

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Por el momento la única fecha que estaría confirmada es en Fotaleza aunque los organizadores no descartan sumar algunos shows en el resto del país de habla portuguesa. Esta noticia aumenta las chances de que el gran Paul McCartney vuelva a la Argentina para presentarse, como el rumor indicaba, en el Estadio Ciudad de la Plata.

Aún así hay que tener en cuenta que en el 2012 el ex Beatle había llegado a Sudamérica para presentarse en Montevideo y a ese viaje no le agregó ninguna otra fecha en la región. Esperemos que esta vez Paul sí se cope y nos regale aunque sea un último show en nuestro país.

DECLARACIONES DE ROBERT PLANT INDICARÍAN QUE  LED ZEPPELIN PODRÍA RESURGIR EN 2014///

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Robert Plant (el cantante de la mítica banda inglesa) dio indicios de estar abierto a una hipotética reunión de Led Zeppelin el año que viene. Previo a su gira por Australia, el cantante dijo en una entrevista que tiene disponible el 2014. Luego del regreso único con un show en Londres en 2007, había mostrado desinterés en volver a hacerlo.

En una nota con la prensa australiana, Plant evitó la noción de que de él depende el regreso de la banda al declarar:“Jimmy (Page) y John Paul (Jones) son capricornianos. No dicen una palabra. Están contenidos en sus propios mundos y lo dejan en mis manos. No soy el chico malo, viste cómo son  los capricornio… y finalizó la frase con un rotundo No tengo nada que hacer en 2014.”

En diciembre de 2007, Plant, Page, Jones y Jason Bonham – hijo de John, tomando el lugar de su padre fallecido en 1980 – se reunieron en el London Arena para realizar un único show de Led Zeppelin después de 33 años. A partir de ese recital se realizó el documental Celebration Day, estrenado a fines de 2012 en formato cinematográfico.

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Ante la intención de Jones y Page de seguir una gira, allá por 2008, Plant se había mostrado desinteresado. Tiempo después Page blanqueó la situación diciendo que “Robert estaba ocupado”. Hoy, Plant pareciera tener otra visión…

Por supuesto que una declaración de este estilo tendría sus reacciones por parte de los otros miembros del grupo. El primero en dar su opinión fue el hijo del legendario baterista de Zeppelin: Jason Bonham.

Quien supo ser baterista del grupo en el único show que la banda dio en el 2007 escribió en su página de Facebook el siguiente mensaje: “Acabo de ver la entrevista de Robert en la que dice que está libre en el 2014!!! No estoy seguro de cómo tomarlo… ¿Qué piensan ustedes? 

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En fin. Qué quiso decir Robert con esa sorpresiva declaración nadie sabe. Seguramente ni él. El 2013 recién está empezando y el cantante ya está pensando qué hacer el año que viene… ¿Será una señal o se tratará sólo de una campaña de prensa?

Fuente> http://www.fmrockandpop.com

Superbandas: Los Superhéroes del Rock.

A lo largo de la historia del Rock & Roll, muchos han sido los intentos por parte de diversos músicos de recrear de una forma u otra la esencia de antiguas bandas que ya no existían. Ya sea por la nostalgia originada a partir de la disolución de un grupo muy querido y popular dentro del género, por falta de originalidad o simplemente por una estrategia de mercado, han nacido grupos que parecían resistir el paso del tiempo y que intentaron resignifcar al Rock conforme pasaban las décadas subsiguientes. A continuación, podrán encontrar una suerte de guía con las superbandas más significativas, pasen y vean.

Tapa del suplemento en donde se publicó originalmente esta nota

Tapa del suplemento en donde se publicó originalmente esta nota.

 

Podemos nombrar a Cream, quizás, como el primer supergurpo en la historia del Rock. Fundado en 1966, Cream nace del encuentro entre Eric Clapton, proveniente de The Yarbids (aquel grupo que saltó a la fama post-morten, al  contar con la participación de tres guitarristas en diferentes etapas, quienes luego seguirían sus propios caminos: El ya mencionado Clapton, Jimmy Page y Jeff Beck), el bajista y cantante Jack Bruce (ex The Bluesbreakers) y el baterista Ginger Baker (ex  Graham Bond Organisation) quien poseía un estilo compositivo muy original para aquella época. Cream se encargó de explorar antes que nadie la fusión entre psicodelia y Rock & Roll, incluso antes que Hendrix.

Eric Clapton, Ginger Baker  y Jack Bruce: Cream

Ginger Baker, Jack Bruce y Eric Clapton : Cream

Si hablamos de Folck Rock, ineludible es el caso de los  Crosby, Still, Nash & Young. Así como su nombre lo indica, este grupo formado en 1968 constaba de cuatro miembros destacados de la escena folclórica anglosajona: David Crosby (The Byrds), Stephen Stills (Buffalo Springfield) y Graham Nash (The Hollies). En 1970 se sumaría Neil Young, histórico represante del folck norteamericano. Comunmente llamados CSN&Y, estos muchachos fueron pioneros del folck/rock, al introducir un estilo muy original en el formato canción: Los cuatro integrantes eran vocalistas, y entrelazaban sus voces conformando un coro perfectamente sincronizado con los acordes y melodías de sus nobles guitarras acústicas.

crosby, still, nash & young.

Crosby, Still, Nash & Young.

En el terreno del Jazz-Rock sucedió algo muy particular. A principios de los 70´s, la incursión de Miles Davis (Trompetista de Jazz Clásico)  en el Jazz Rock/ Fusión, generó un aluvión de músicos de primera línea en el ambiente rockero. Así es como, gracias a la posterior  disolución del conjunto de Davis, nacieron dos bandas que le dieron una nueva perspectiva al Jazz-Rock: Uno de ellos fue Mahavishnu Orchestra, conformada por nada más y nada menos que John McLaughlin, guitarrista pionero en la fusión y en el flamenco experimental, y Billy Cobham, baterista habilidoso que supo brillar posteriormente como solista. El otro supergrupo que provino de la escuela de Davis fue Weather Report, mítico grupo que supo contar entre sus filas con el tecladista Joe Zaxinul y el saxofonista Wayne Shorter.

Heavy Weather, la obra maestra de Weather Report.

Heavy Weather, la obra maestra de Weather Report.

El rock progresivo tampoco estuvo exento de grupos conformados por ex líderes de anteriores grupos, siendo el estilo sinfónico e instrumental el característico de este tipo de bandas.  Emerson, Lake & Palmer  fue uno de los exponentes más destacados. ELP nace de la unión musical entre Keith Emerson (tecladista de The Nice),  el bajista y guitarrista Greg Lake (ex King crimson) y Carl Palmer, baterista proveniente de Atomic Rooster. Tres integrantes de renombre dentro de la escena progresiva, quienes, se fusionaron para dar a luz a un supergrupo que tenía como estandarte tres géneros musicales bien distintos: La música clásica, el Jazz y el Rock.

elp

Si de supergrupos misteriosos hablamos, los Traveling Wilburys se llevan todos los laureles. Lanzado un 24 de octubre de 1988, el álbum Traveling Wilburys Vol. 1 pasó totalmente desapercibido para la crítica. El disco se encontraba firmado por Nelson, Otis, Lucky, Charlie y Lefty Wilbury, cinco supuestos hermanos totalmente desconocidos dentro de la industria musical. Luego nos enteraríamos de que aquellos nombres no eran más que seudónimos utilizados por los verdaderos integrantes de la banda: George Harrison, Bob Dylan, Roy Orbison y Tom Petty… Nada mal.

Dylan, Lynne, Petty, Orbison y Harrison

Dylan, Lynne, Petty, Orbison y Harrison

El éxito instantáneo, debido a la confesión oficial de que estos chicos malos del Rock se habían juntado para formar una superbanda sin precedente alguno, generó que Traveling Wilburys Vol. 1 trepara en el ranking de los álbumes más vendidos de 1988. Con todo el respaldo asegurado, en 1989 apareció Traveling Wilburys Vol. 3 (si, el segundo disco del grupo lleva el número tres en su nombre). La repentina muerte de Orbison a causa de suicidio generó la rápida disolución del grupo, continuando cada uno de sus integrantes con sus respectivas carreras solistas.

Traveling Wilburys logo

Y ya casi llegando a los tiempos que corren, nos encontramos con Liquid Tension Experiment, un experimento (valga la redundancia)  que no salió para nada mal. Corría el año 1996, y a Mike Portnoy (baterista fundador de Dream Theater, el máximo exponente del metal progresivo) se le solicitaba, por parte de la discográfica que lo había contratado, que conformara un supergrupo con estrellas del rock progresivo, por un tema netamente comercial. Así fue como, luego de varias negociaciones, Portnoy congenió con su compañero de Dream Theater, el virtuoso guitarrista John Petrucci, el histórico bajista Tony Levin, quien se había dado el pequeño lujo de tocar en  King Crimson y haber sido cesionista de Peter Gabriel y Jordan Rudess, ex bajista de Steve Morse. Fue tal la impresión que Rudess generó en Portnoy y en Petrucci, que posteriormente fue elegido para estar al frente de los teclados en Dream Theater.

liquid tension experiment

Una tensión muy líquida: Rudess, Levin, Petrucci y Portnoy.

El grupo dio a la luz dos álbumes: Liquid Tension Experiment (1998) y Liquid Tension Experiment 2 (1999). Quien haya escuchado un poco de la discografía de Dream Theater se encontrará familiarizado con LTE en ciertas canciones, los riffs de Petrucci lo abalan.  La presencia de Levin en el bajo le da esa alma única a la banda, que es brutalmente acompañada por la base rítmica de un Portnoy que no se priva de jugar con todo tipo de instrumentos de percusión. Composiciones instrumentales, de larga duración en su mayoría. Para escuchar luego de una catarata de reacciones simbióticas.

LTE 2, su disco más exitoso.

LTE 2, su disco más exitoso.

A continuación, les ofreceremos un análisis de las que, a nuestro parecer, son las tres superbandas que dominan la escena rocker actual.

Black Country Communion: Dónde Led Zeppelin y Deep Purple se juntan para recordar viejas épocas.

Black Country Communion logo

Formada a fines de 2009, Black Country Communion es una superbanda que tiene sus orígenes musicales en Deep Purple y Led Zeppelin, tanto a nivel de influencias musicales, como a relaciones parentales, ya que entre sus filas se encuentran Jason Bonham (hijo del mítico baterista de Zeppelin, John Bonham) y Glenn Hughes, una leyenda de las cuatro cuerdas que se ha dado el lujo de haber tocado junto a Purple allá por los 70´s. Ambos músicos son oriundos de Black Country, un puebito minero de Birmingham, Inglaterra. El grupo se completa con la participación de Dereck Sherinian en teclados (ex Alice Cooper, Kiss y Dream Theater) y Joe Bonamassa en guitarra, virtuoso instrumentista de Blues y Rock originario de Nueva York y quien, a la edad de doce años, ya había teloneado a B.B. King. Además, Joe trabajó con Aretha FranklinRay CharlesEric ClaptonRod Stewart y John Coltrane, entre otros.

Bonamassa, Bonham, Hughes y Sherinian.

Bonamassa, Bonham, Hughes y Sherinian.

Cuándo Joe conoció a Glenn.

El génesis de Black Country Communnion se dio en septiembre de 2009, cuando luego de haber tocado juntos, Bonamassa y Hughes se ponen de acuerdo en formar una banda. Es en ese momento cuando se incorpora Bonham, a raíz de un ofrecimiento realizado por el productor de Bonamassa, Kevin Shirley, quién, ante la necesidad del virtuoso violero de incorporar a un tecladista, les recomienda a Sherinian, un viejo amigo de la casa.

Estilo e Influencias.

Si bien sabemos que es innegable el legado de Purple Y Zeppelin a la hora de escuchar las composiciones de Black Country, también se denota cierto estilo propio en sus obras. Bonamassa explaya su lado más rockero. Quienes tenían a este guitarrista como un mero compositor de blues se equivocaron rotundamente. Canciones como I can see your spirit, Down Again y Sista Jane lo demuestran con creces. Podemos encontrar en temas como  One Last Soul (primer corte difusión del primer disco), An Ordinary Son y Man in the Middle tres obras bien diferentes entre si pero que denotan el estilo único de la banda. También sabe brillar Little Secret, un blues desgarrador que nada tiene que envidiarle a Since I´ve been lovin you, de Zeppelin. Hasta la fecha, el grupo  ha lanzado tres álbumes: Black Country (2010), 2 (2011) y Afterglow, que ha sido recientemente lanzado el martes 30 de octubre. El cual se pueden descargar aquí mismo.

"Afterglow" Lo nuevo de Black Country Communion

Afterglow, Lo nuevo de Black Country Communion

 

Them Crooked Vultures:  Un tributo al Rock de los 70´s.

Nacida a fines de la década de los 00´S, Esta superbanda está formada por Josh Homme en guitarra (líder de Queen of the Stone Age), Dave Grohl en batería (Ex Nirvana y actual líder de Foo Fighters) y el Señor John Paul Jones, bajista de la mítica banda que hizo que Homme y Ghrol sean músicos de rock: Led Zeppelin.

Them Crooked Vultures logo

 Unidos por una misma pasión: El Hard Rock.

El nacimiento de este supergrupo se dio aproximadamente en 2008, cuando, reunidos en la casa de Grohl con motivo del festejo de su cumpleaños, los tres decidieron meterse en el estudio que Dave tenía en su garage, y zaparon por horas. Ese fue el germen que dio vida a este supergrupo que hasta la fecha tiene lanzado un único disco,  titulado simplemente “Them Crooked Vultures”, que se podría traducir al español como “Esos Buitres retorcidos”.

Homme, Grohl y Jones.

Homme, Grohl y Jones.

Estilo e influencias.

En cierta forma, podemos decir que TCV es un tributo al Rock de los 70´s, con un marcado estilo zeppelinero y con aires a The Who. Guitarras distorsionadas al palo de la mano de Homme – quien además es la voz principal de TCV- , J.P Jones se destaca por tirar una líneas de bajo que se apoderan de las canciones, y le dan ese estilo único que le supo dar también a Zeppelin allá por los 60´s y los 70´s. Pianista además, J.P. se encarga de disimular bastante bien sus largos 66 años Por su parte, Dave Grohl no solo  demuestra con gran sutileza su fanatismo por John Bobham al tener tatuado el símbolo de este baterista en tres partes diferentes de su cuerpo, sino que además lleva la bandera de la banda en varias canciones del disco, marcando el tempo de las composiciones a lo Bonzo Bonham. Hard Rock, Blues y Psicodelia, los tres estilos bien marcados que hacen de TCV una banda auténtica.

Novedades.

Se rumorea que para fines de este año o principios/mediados del que viene, estaría saliendo un nuevo disco de estudio de la banda que, en palabras de Grohl, “va a sonar más pesado que el anterior”.

tcv

Chickenfoot: Rock extravagante con aire ochentoso.

¿Qué podría surgir de la mezcla entre uno de los exponentes mundiales más reconocidos de la vieja y querida guitarra, el baterista que le dio un estilo rítmico propio a una de las bandas más exitosas que aun continúan en pie y  el tipo que supo darle voz al grupo más querido de los ochentas? Chickenfoot, por supuesto.

chickenfoot1

Compuesto por Joe Satriani, Chad Smith (baterista de Red Hot Chilli Peppers)  Sammy Hagar y Michael Antony (cantante y bajista de Van Halen, respectivamente), Chickenfoot es, quizá, la banda que rompe con el arquetipo de supergrupo que suena igual a los conjuntos que hicieron saltar a la fama a sus respectivos miembros. Esto se puede comprobar rápidamente al escuchar sus, hasta ahora, únicos dos discos: Chickenfoot y  Chcikenfoot III (de nuevo encontramos un segundo disco de superbanda que lleva el número 3, a lo Traveling Wilburys).

Joe Satriani, Chad Smith, Michael Antony y Sammy Hagar.

Joe Satriani, Chad Smith, Michael Antony y Sammy Hagar.

Estilo e Influencias.

El funk/rock carácteristico de los Red Hot Chilli Peppers parece no tener nada que ver con el rock de guitarras complejas y de tinte progresivo que sostienen el estilo de Satriani y su grupo solista, y mucho menos que ver con el Glam Rock que supo ser marca registrada en los hits de Van Halen. Pero hay un punto en común compartido por estas tres bandas que hacen que hoy puedan confluirse para dar vida a un grupo que suena perfectamente bien: Todas nacieron en los 80´s.

 Salvo por el inminente lanzamiento de Afterglow de Black Country Communion previsto para este martes 30 de octubre en Estados Unidos, la situación nos parece indicar que tendremos que esperar por lo menos entre un año y medio y dos años para que nuestros superhéroes del Rock se calzen de nuevo sus trajes y se junten en alguna sala de grabación del espacio para saciar nuestras ansias de Kriptonita que solo ellos saben suplir… Estaremos informando.

Julián Franzil. 

en Twitter: @franzil89

Viernes de New Wave: Ian Dury & The Blockheads

Desde que conocí la música de Ian Dury siempre me costó descifrar en que sub estilos podía encasillarlo… Si en algo solemos equivocarnos los fans del Rock, sus derivados y distintas fusiones, es en querer etiquetar a una banda o solista en un sub género que lo condene a morirse entre esas dos o tres palabras. Pero bueno, el sistema discográfico así lo quiso, y aquí estamos…

¿Algún problema?

Se puede decir que la carrera de Dury y estos chicos malos arranca oficialmente a partir de 1978, cuando se crea el nombre “Ian Dury & The Blockheads”. Naturalmente, Dury, vocalista del grupo, es el líder nato. Un tipo con una personalidad muy marcada, un delirante de aquellas… Un ” loco lindo”.

LA “NUEVA OLA” Y SU IMPACTO EN EL ROCK.

Hay que tener en cuenta el contexto histórico en el que Dury y los Blockheads surgen: Pleno nacimiento y auge del New Wave (del inglés: “Nueva ola”), el cual  nace a fines de los 70´s, y alcanza su auge   en los 80´s, combinando diversos estilos que habían nacido del  rock, con algunos que habían parido a este mismo. Así nacieron grupos como The Police, The Cure, The Clash, los locales Soda Stereo, entre muchísimos más.

Dury en un concierto, en 1978. Las vestimentas coloridas son una de las insignias de la generación New Wave.

Sex & Drugs & Rock & Roll

ESTILO E INFLUENCIAS.

Actitud Punk. Esencia rockera. Alma Funk.

La clave de Dury está en el Rock and Roll, pero no el de pura cepa, afortunádamente. En su legado podemos encontrar aires del Rockabilly, el Punk, el  Funk y el Disco, con riffs muy pegadizos, melodías de saxo que no paran de ir y venir ejecutadas por Davey Payne, el groove tremendo que irradia el bajo de Norman Watt- Roy, el denotable talento de Micky Gallagher a la hora de lucirse con su teclado,  y ese toque disco-rock que, junto a los fraseos que Dury tira y tira sin parar,  son marcas registradas en las composiciones de estos particulares músicos provenientes del Reino Unido. Han pasado varios artistas por  Los Blockheads, siendo los anteriormente nombrados los membros más significativos de la banda.

Hit me with your Rhythmn stick

Si bien Los Blockheads siguen tocando luego de la muerte de Dury en el año 2000, a raíz de un cáncer colorrectal que acabó con su vida,  a sus 57 años de edad,  no podemos hablar de la misma banda, siendo Dury el alma máter del grupo….

Quizás halla sido la personalidad tan retorcida (para bien) de Ian, sus influencias, las cuales logró entrelazar de manera casi milimétrica, los buenos músicos que estaban detrás suyo, el contexto  por la cual la música  estaba pasando en esa época, todos estos factores y muchos más confluyeron para dar vida a esta joya que la cultura pop vio nacer allá por fines de los 70´s…

Reasons to be cheerful

Hasta aquí hemos llegado con este pequeño recorrido sobre Ian Dury & The Blockheads, una de mis bandas preferidas, por cierto. Les dejo un link que los llevará directamente al canal de Ian Dury & The Blockheads en Grooveshark. Hasta la próxima tajada, mis sangrientos amigos…

   Franzil