Entrevista exclusiva a Mostruo!: “El under es una condición de facto”

   El grupo conformado por Kubilai Medina, Lucas Finocchi, Gabriel Ricci y Luciano Mutinelli celebra diez años de vida con el lanzamiento de Profunda Desorganización, su nuevo disco de estudio. Yo Soy la Morsa se tomó la costera y cayó en la Ciudad de las Diagonales para ver qué onda con una de las deidades más adoradas del under platense.

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Lanzado hace menos de un mes, Profunda Desorganización es un salto de calidad en la discografía de una banda que viene labrando su década ganada a base de quemar las suelas al costado de Camino General Belgrano. A este nuevo disco – que viene a desarmar la trilogía compuesta por Grosso (2007), La Nueva Gran Cosa (2009) y Perfecto (2011) – sus miembros lo definen como su álbum más maduro, mientras que los medios especializados que pululan por la sinergia de la red se afanan en subrayar el carácter “existencial” del mismo. “Quizás sea un disco en el que vayamos mas al hueso en algunas cuestiones, y estemos menos miedosos de decir que somos una manga de neuróticos fallados preguntándose cómo seguir con el día a día”, se paran de mano sus integrantes, ponderando quizás inconscientemente el mismo método que los llevó a hacerse un nombre en el circuito musical independiente: perder el miedo.

Una de las particularidades interesantes de Mostruo! es que esa relación con la independencia artística no devino en la tan saturada dependencia estética del sonido indie (copias de mala muerte de El Mató a un Policía Motorizado no escasean, precisamente). En cambio, en el repertorio de la banda no falta ni funk, ni r&b ni blues, todas negras todas que bailan al compás del rock/pop -sí, en ese orden- que conforma el núcleo duro (Ricci y Mutinelli es igual a bajo y batería) de las composiciones, y que llevan la estampa vocal de Medina y Finocchi: “A todos nos gusta la música que no dependa de una estética sino de su contenido. Por eso las canciones mandan por sobre los géneros”, sueltan cabos.

ENTREVISTA

   – ¿Cuándo y bajo qué circunstancias se formó Mostruo!?

– Era octubre de 2004 y llegaba el verano. Kubilai tenía una pelopincho y una batería en su casa. Hacía poco se había desarmado la banda que compartían con Luciano y algo había que hacer. Entre la efervescencia de la primavera/verano, las cervezas y asados en el fondo de la casa y la energía que produjo el encuentro de personalidades tan distintas, no podía pasar otra cosa que crear un monstruo. Tan así fue que en marzo de 2005 fuimos al estudio de un amigo y grabamos “Corto” (su primer ep), antes de tocar por primera vez en vivo.

 – ¿Cuáles son sus músicos y estilos favoritos?

– A todos nos gusta la música que no dependa de una estética sino de su contenido. Por eso las canciones mandan por sobre los géneros. Ahí están los obvios, de acá y de allá, desde los Beatles a Spinetta. Por ahí en Wilco se puede encontrar el punto más cercano en gustos, y es algo que aún existe. Lo cual no implica que queramos ser Wilco, pese a que en vivo tocamos “I Hate it here”. Quien nos escuche también puede sacar como conclusión que estilísticamente no estamos limitados. Todo está al servicio de lo que la canción pida. Así como también hay canciones al servicio de lo que queremos tocar.

 – Hablando de ese tipo de límites, lograron trascender en la escena under sin la necesidad de magnetizarse al sonido característico del indie ¿Cómo lo lograron?

– Bueno, el under es una condición de facto… La trascendencia se da por el valor que obtenga la obra. Nosotros no elegimos el under, tampoco elegimos el “mainstream”. En estos tiempos, donde no hay industria discográfica para motorizar la difusión, pasar de 200 a 1000 personas es cada vez más difícil. Dando ese salto, es posible trascender a la ciudad y hacer sustentable a la banda, paso previo indispensable para ser un grupo conocido. Pero no fue el objetivo de la banda pertenecer a priori a ninguna movida.

Con respecto al sonido indie, es más una generalización que suele hacer la prensa especializada. Siempre nos resultó extraño el combo al que nos ataron cuando arrancamos, éramos todos muy distintos y lo seguimos siendo. Hay una generación que le perdió el miedo a la exposición, y entonces salieron cantantes y guitarristas que mucho no afinaban pero grabaron igual, y eso es una condición general del arte, arriesgarse. Pero creemos que tuvo mas que ver con el atrevimiento que con una búsqueda estética, después de eso vino mucha gente a copiar la forma y ahí ya los resultados son mas discutibles, como pasa muchas veces acá, con las copias de Los Redondos.

Nosotros tenemos el sueño de sonar siempre mejor y cada vez más cerca de los discos que admiramos, como “Sky blue sky” (Wilko) o “Marquee moon” (Television). Laburamos mucho para lograr eso en los discos, no hay mucho más que eso.

 – ¿Creyeron alguna vez que esta variedad sonora podía devenir en disminución de audiencia al no estar encasillados en un solo estilo?

– Por lo dicho antes, creo que queda claro que la banda no calcula mucho sus pasos. Porque también nos cuesta distinguir las “escenas”, tendencias y públicos. A nosotros nos mueve las ganas de tocar, de grabar y de hacer shows. Cuanta más gente haya, mejor. Pero nos cuesta darle lugar a un manager, o a alguien que tenga un plan. Y sí, son necesarios, pero al mismo tiempo la libertad de hacer lo que hacemos como queremos es de difícil negociación… Por no decir imposible. Rogamos por alguien que nos diga dónde y cómo ir, pero como no lo encontramos, seguimos así… en modo Mostruo!.

Foto: Fernando Massobrio

Foto: Fernando Massobrio

 – ¿Qué representa para ustedes la escena platense?

– La Plata es una ciudad atípica en el sentido de que ha construido público. Y eso es genial. No hay shows vacíos, y menos para un grupo de bandas que tienen ya su tiempo, aunque hay una especie de Primera A, B y C, con ascensos y descensos. Y con leer cualquier publicación dedicada al rock uno se va a encontrar con buenos shows cada fin de semana. Quizás en los últimos tiempos haya algo más de atención por parte de quienes buscan negocio y los políticos, pero – como siempre – tarde, torpe e ineficazmente. Hace falta consolidar la escena, pero no se nos ocurre cómo… Mientras tanto, para nosotros es la ciudad en la que podemos hacer 20 recitales en un año y en todos ellos hay público cantando las canciones. Es algo medio idílico, soñado en algún punto.

 – ¿Qué es lo que no falta en un show de Mostruo!?

– En La Plata, gente. Y en cualquier show, cuatro tipos tocando seguros de por qué lo hacen disfrutándolo mucho. Mostruo! en vivo potencia lo que se grabó.

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Captura del show del pasado 15 de diciembre en el teatro Orlando Goñi, Capital Federal.

 

   – ¿Es “Profunda Desorganización” un disco con mayor producción que los anteriores?

– Se puede decir que es el disco de la madurez. Ya no hay guiños atacando las poses del rock, ni tanta ironía… Desde lo musical, hay una evolución que busca que la canción llegue a su mejor expresión, además de dejar actuar a Alfredo Calvelo, quien siempre nos grabó, pero que esta vez le cedimos la producción artística. Y eso un poco nos sacó el peso de decidir todo y aceptar ideas que no hubiésemos aceptado de nosotros mismos. Además, en lo concreto hubo más laburo: trabajamos mucho más los arreglos, mangueamos instrumentos, pensamos más los coros, y nos comprometimos de otra manera. Está buenísimo si se nota, porque esa era la búsqueda, que sea un volantazo a otra cosa a partir de un salto de calidad.

 – En más de un sitio leí que este es su disco más “existencial”. ¿Qué opinan de esta caracterización?
– En este disco hay más canciones en los que la letra es la protagonista y la banda le puso la ropa… Quizás al tener más producción también sumó algo de maquillaje y photoshop. Quizás sea Profunda Desorganización un disco en el que vayamos más al hueso en algunas cuestiones, y estemos menos miedosos de decir que somos una manga de neuróticos fallados preguntándose cómo seguir con el día a día.

 – ¿Qué tan influyente es para ustedes el primer rock argentino? ¿Creen que se lo valora lo suficiente en la actualidad?

– En el caso nuestro, por edades y también por cuestiones familiares siempre estuvo presente (Kubilai es hijo del bajista de Manal Alejandro Medina, leyenda viva del rock fundacional argento) pero no se piensa en eso en el momento de hacer algo… Es más inconsciente, además de ir en el ADN. Y sí que se lo valora, siempre salen películas y documentales que así lo demuestran. Es cierto que no hay un Edelmiro Molinari en el Personal Fest, y suena raro pensarlo, pero cuando ves el line up de un festival inglés y aparece uno de los Kinks nadie dice nada, es triste pero es parte de nuestra cultura ir desechando las cosas, también es cierto que el que no cambia se muere y somos muy crueles para hacerlo notar.

 – Por último, ¿Qué opinan de la escena musical que hoy predomina en el rock local?

– Vemos una escena independiente que tiene para todos los gustos, y que cada vez suena mejor. Hay de todo, basta recorrer Bandcamp o escuchar radios como Universidad o Provincia en La Plata para darte cuenta de que es un gran momento para la música argentina en general, solo que la industria no lo ve o no le rinde ir a buscar algo nuevo y apoyarlo. En el mainstream sin Cerati y El Flaco, hemos quedado huérfanos de esos tipos que te hacían pensar, que como compositores eran infalibles, que estaban por encima de la media. Las bandas que se consideran hoy como líderes, lo son y hay mucha gente que las sigue pero no hay un cantante que te mueva el corazón o un guitarrista que destrabe algo, y son fórmulas que ya cumplen décadas. Ojalá en algún momento algún sello grande se arriesgue un poco y apueste a un proyecto no tan literal… Hay que ver también si como público somos capaces de aceptarlo.

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Foto: Fernando Massobrio

 

Disco de la semana: Hypnotic Eye – Tom Petty & The Heartbreakers

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  En medio de un revival de viejas bandas lideradas por músicos que habitualmente destacaríamos  por sus carreras solistas  –  como los casos de Neil Young & Crazy Horse y Nick Cave & The Bad Seeds  – Tom Petty vuelve a reunirse con sus queridos  Heartbreakers luego de varios años de álbumes y giras en solitario.  Hypnotic Eye es un claro ejercicio de lo mejor que sabe hacer este baluarte del rock yankee liderando a sus goodfellas: rock cuadradón y rutero.  La pulsión rítmica de la banda viaja sin sobresaltos ni desviaciones por el carril lento de la autopista, con un Petty al volante que sabe que este es uno de sus últimos spins por la carretera y no hace más que entregarse sabiamente a las bondades de un viaje risueño pero no por eso falto de power.

  Si bien no es un disco ultra rockero, Hypnotic Eye se las ingenia para entregarnos de lo mejor de la carrera de Petty & The Heartbreakers en materia de rock adulto y maduro. En lo referente a los matices sonoros, aires de psciodelia, blues y hasta swing jazz danzan sincrónicamente resguardando en su interior un núcleo rockero en clave cuatro cuartos  que con pulso moderado  y marcado nos va sumergiendo con solvencia en las profundidades del álbum. Petty – quien firma como solista en diez de los 11 tracks – pela solos rabiosos que sorprenden por su destreza y por su locuaz ubicación en el climax de cada canción.  Nada está de más en Hypnotic Eye, y por eso funciona tan bien.

 

Camus Rock: Cuando el hard rock conoció al grunge

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Vienen girando desde hace tres años, y no hay espectador de sus intensos shows en vivo que no quede impactado ante el desenvolvimiento del grupo en el escenario. Rodeados de un aura de misterio y misticismo que por momentos recuerda a Led Zeppelin, Camus no se conforma solamente con ser uno de los mejores representantes del eterno revival de los 70´s, sino que fusiona lo mejor de esta década con varios elementos del rock alternativo, quebrando barreras espacio-temporales a base de virtuosismo musical y una fuerza creativa arrasadora que se conjugan entre la psicodelia y la distorsión.

 

  Riffs aplastantes de la mano de Santino Kazlauskas se enredan simétricamente entre los falsetes de una gutural Leticia Lee montados al galope de un caballo esquizofrénico y pasado de rosca parido por el núcleo rítmico de la banda, compuesto por el baterista Ignacio Cuneo y el bajista Ivo Wozniuk.

Delirios existenciales se suceden unos tras otros en los tracks que conforman a Mandrágora, el primer y hasta ahora único LP lanzado por el grupo. Quizás sean sus letras el único espacio idóneo para trazar un paralelo entre la impronta de la banda y la del escritor existencialista Albert Camus, ya que sus integrantes aseguran no haberse basado en el nombre del autor a la hora de bautizar al grupo.

La banda, que viene de encabezar la última fecha del ciclo Estación Contracultural que se lleva a cabo cada mes en Cultura del Sur, responde a través de su guitarrista todos los interrogantes de Yo Soy la Morsa en esta completa entrevista.

 

  ¿Cuándo nace Camus? ¿De dónde provienen?

Leticia y yo nos conocimos de casualidad a través de Internet. Yo escuché la banda anterior en la que ella estaba –Experiencia del Alma–  y me voló la cabeza su manera de cantar. Obviamente, lo primero que pensé fue: “tengo que afanarme a esta cantante”.  Por suerte para mí, ella también había escuchado la banda en la que me encontraba y le había encantado lo que hacíamos.  Ambos nos encontrábamos dejando nuestros grupos, así que desde el primer momento que conversamos la idea fue armar proyecto nuevo, ya que por otra parte las influencias eran las mismas. Luego llamamos a Ignacio Cuneo que era batero en mi banda anterior, con quien tenía mucha afinidad, y por último convocamos a Ivo Wozniuk. Es así como en 2011 se conformó la primera formación de Camus.

Si bien cada uno es de distintas zonas, nos consideramos oriundos del barrio de Saavedra, donde tenemos nuestra sala de ensayo.

 ¿El nombre de la banda es una referencia al escritor? Si ese es el caso, se sienten influenciados por sus escritos?

Ponerle nombre a una banda es una tarea muy difícil. Después de barajar varios nombres nos gustó mucho “Camus” porque sonaba a nombre propio. Es un nombre con  varios significados. Nos han consultado si el mismo venía por el escritor y también nos preguntaron en varias ocasiones si hacía referencia al personaje de los Caballeros del Zodiaco Camus de Acuario, lo cual nos causó mucha simpatia. Además el nombre tiene varios significados en latín , uno de ellos es “boca” y otro es “bozal”, donde se genera una contradicción muy interesante. En cuestión, como mucha gente le da un significado distinto decidimos que no es un homenaje a nadie en particular si no que preferimos que cada uno le de el significado que mas le guste o le divierta.

 

  Desde la sonoridad y la estética que rodea al grupo se puede vislumbrar un aura más bien setentosa, ¿Qué los llama a revivir este imaginario?

Todos crecimos escuchando bandas de los 60´s y los 70´s, grupos como Zeppelin, Purple, Black Sabbath, Yes…  siempre nos llamó la atención el  aura de misticismo  que generaban y  tanto su música como su estética nos marcaron muy fuertemente.

   

  Además de las citadas, ¿Cuáles son sus bandas preferidas?

   En este momento las bandas que mas nos gustan son Audioslave, Stone Temple Pilots, Dead Weather y Band of Skulls.

 

  Escuchando Mandrágora nos encontramos ante un álbum con grandes valores de producción y de calidad compositiva, ¿Cómo fue el proceso de creación y grabación del disco?

La grabación de Mandrágora fue en su momento bastante estresante, pero ya concluida la vemos con mucho cariño y hasta con un poco de gracia.

Se podría decir que empezamos a grabar el disco por casualidad: Sirso Iseas, el productor del álbum escuchó un EP nuestro y nos convocó a una reunión en donde nos ofrecía grabar dos  temas a modo de prueba. Una vez que grabamos la cantidad de temas pactados,  Sirso nos tiraba preguntas como “¿Por qué no graban uno mas? “ hasta que cuando iíbamos por el sexta canción, le preguntamos cuántos temas íbamos a grabar, a lo que respondió: “Estamos grabando el primer disco de Camus “ y nos exigía un mínimo de doce temas teniendo nueve armados, así que tuvimos que componer dos canciones nuevas en menos de una semana, y para completar el tracklist decidimos grabar una versión de “Algo ha cambiado“  de Pappo´s Blues, un tema que siempre hacemos en vivo.

 

  ¿Qué sentido le dan a los shows en vivo?

  Para nosotros, los shows son lo más importante para una banda… es lo que más disfrutamos y donde se puede conocer realmente qué es Camus. Tomamos esto como algo muy serio en donde siempre tratamos de superar la presentación anterior e intentar transmitir al máximo el sentido de cada canción.

  ¿Cuáles son sus más logros más grossos como banda?

Consideramos que nuestros grandes logros fueron el haber hecho canciones de las cuales nos sentimos orgullosos y haber podido grabar nuestro primer disco. Estamos muy agradecidos de poder tocar prácticamente todos los fines de semana, que para nosotros es lo  más lindo, y  de a poco ir extendiendo nuestra música hacia el interior del país y dándonos a conocer cada vez más.

Mirando para adelante, ¿Qué es lo que pretende Camus?

Camus pretende poder seguir componiendo canciones y seguir grabando discos -al menos uno por año – y poder presentarnos en vivo lo máxima cantidad de veces posible.

///MÁS TRACKS DE MANDRÁGORA, LO NUEVO DE CAMUS///

        Puedo Avanzar

      Sutil Indiferencia

@Franzzzzo

Del Mainstream con Amor: Lorde

Inauguramos una nueva sección en All You Need is Blood: Del Mainstream con Amor. Un espacio dedicado a diversas joyas del Pop que si bien fluctúan por las inmersiones más comerciales del mercado discográfico creemos que tienen algo interesante para decir y hacer escuchar… Y qué mejor manera de darle inicio a esta sección que con la princesa del hipster movement… Uff, ¿en serio dije eso?

 

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Linda guachita.

 

Ella Maria Lani Yelich-O’Connor vino al mundo un 7 de octubre de 1996 (¡Sí! Hace tan solo 17 años) y parece que no lo hizo en vano. Esta pequeña neozelandesa aprendió a escribir a la sorprendente edad de 2 años, y a los 6 un pedagogo le recomendó a su madre que la mandara a un colegio especial, lo que finalmente jamás sucedió. Para los 12 ya había leído más de mil libros y ganado decenas de concursos literarios, a la par de una progresiva inmersión en el fabuloso mundo de la música, cantando en bandas que armaba con amigos. Pero no fue hasta noviembre 2012 que nuestra protagonista accede formalmente al bussines: Acababa de lanzar su primer EP mientras comenzaba las primeras sesiones de lo que hoy conocemos como su álbum debut. Pure Heroine fue lanzado en septiembre de 2013 por Universal y desde ese preciso momento no hizo más que eyectar hacia el estrellato su carrera musical y compositiva.

 

 

Alejada y criada in vitro de todo tipo de asociación con las princecitas de Disney que hoy inundan los charts con acaramelados estribillos que solo saben hablar de la ostentación y de pijas jóvenes, Lorde se destaca por hacer uso de una constante crítica al lujoso y vacuo estilo de vida que suelen llevar los personajes de la farándula popera. Con tan solo escuchar el estribillo de Royals – su mayor éxito, que al día de la fecha cuenta con más de 275 millones de visualizaciones en YouTube- podemos darnos una idea de esto: “Nunca seremos miembros de la realeza/No lo llevamos en nuestra sangre/Este tipo de lujo no tiene nada que ver con nosotros/Queremos otro tipo de emoción/Déjame ser la que te domine/Déjame vivir esa fantasía”.

Si la pequeña Marge Simpson tuviese una lonchera con la imagen de Lorde, nadie podría burlarse de ella alegando que su ídola no escribe sus propias canciones, porque encima sucede eso, señores: Lorde no es solo una voz, una cara y unas tetas (¡Ups!) bonitas. Con la coautoría de Joel Little – su productor – esta cantautora se despacha con diez letras que surfean entre versos de carácter existencial: “La vida es un juego sin importancia/No estamos atrapados en una historia de amor”  críticas a la cultura dominante y sus recurrentes mandatos sociales hacia los jóvenes: “Puedes tratar de detenernos/Pero nosotros somos gladiadores/Todo el mundo está furioso/La gloria y la sangre van de la mano/Es por eso que estamos en los titulares/Puedes tratar de detenernos/Pero la victoria es contagiosa”. Aunque como se imaginarán, en Lorde no todo es furia combativa, en sus letras también abundan desvaríos sentimentales del tipo amigos-que-no-terminan-de-ser-novios-ni-viceversa: “Sos el único amigo que necesito/Compartiendo la cama como pequeños niños/Nos reímos hasta que nuestras costillas se cansan/Pero eso nunca será suficiente”.

 

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En lo referente a los musical, a lo largo de Pure Heroine se respeta una única fórmula de carácter austera en la que cualquier orden distinto de los factores si alteraría el producto: bases rítmicas compuestas por beats electrónicos, samples de chasquidos y aplausos van cimentando y equilibrando el semblante de las canciones, mientras las melodías transitan lenta o moderadamente – dependiendo de la canción -por un torrente simétrico creado a partir de arreglos de sintetizadores, secciones de viento e incluso violines. En el medio, o mejor dicho adelante, una voz de diecisiete años que vino al mundo para destacar entre los mejores registros contra altos de su generación vomita todas sus verdades despiadadamente.

Es por esto y por mucho más- llámese ascendente capacidad creativa, un estilo bastante notable entre las cantautoras de su generación para describir la adolescencia, las relaciones humanas y la vida misma y una voz más que talentosa- que le ponemos unas fichas a Lorde desde este humilde espacio… Solo esperamos que su realeza no nos decepcione.

 

 BONUS:  La versión de “Royals” remixada por Diplo y… ¿Andrea Agassi?

The Next Day, de David Bowie: Volvió el Duque, más melancólico que nunca.

David Bowie's The Next Day

10 años. Esa es la cantidad de tiempo que tardó David Bowie en meterse a un estudio de grabación. Y qué mejor manera que romper esa década de silencio que con la presentación sorpresa del single Where are we now? el mismo día de su cumpleaños – 8 de enero- y con videoclip incluido. La canción en cuestión es una balada en clave melancólica, un tanto inesperada como encargada de promocionar el inminente lanzamiento de The Next Day. Bowie le canta a diversos pasajes de su añorada Berlín de fines de los 70´s  En el medio de tantas referencias geográficas, Bowie mete un desgarrado estribillo que reza: ¿Dónde estamos ahora?/El momento en el que lo sabés/Sabés que lo sabés”

Dos semanas después de la presentación de Where are we now? salió a la luz The Stars (Are Out Tonight), segundo corte de The Next Day que también cuenta con videoclip.

En él,  Bowie y la actriz  Tilda Swinton encarnan a una pareja común y corriente que comienza a verse alterada por la llegada de nuevos vecinos al vecindario, nada más ni nada menos que dos estrellas de Rock. los modelos Saskia De Brauw y Andrej Pejić son los encargados de encarnar a esta pareja rockera que comienza a complicarle las cosa al matrimonio longevo. En lo que respecta a la musicalidad del tema, nos encontramos frente a una canción bien guitarrera y rockeada en lo melódico, y con una base rítmica marcadamente popera. En conclusión, un segundo corte que deja bien en alto el espíritu ochentoso que Bowie ayudó a implantar junto a otros grandes de la música popular en el inconsciente colectivo de muchas generaciones.

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Domingo de bajón: Them Crooked Vultures

Como todos los domingos, hoy es un lindo día para el corchazo. San Domingo, el mejor día para suicidarse… No se asusten mis sangrientos amigos, no es que esté en planes de matarme, pero creo que todos sabemos que el domingo es el día que más amerita para dicha situación, a menos que hayas salido el sábado a la noche y amanezcas a eso de las 5 P.M., en ese caso, estás salvado…

Esa manga de buitres…

Pero para los que no corren esa suerte (me incluyo), nos queda el garrón de fumarse el domingo entero… Así que pare de sufrir hermano, que aquí le traigo una tormenta de Hard Rock nacida a fines de la década de los 00´S. Nada más ni nada menos que a Them Crooked Vultures, super banda formada por Josh Homme en guitarra (líder de Queen of the Stone Age), Dave Grohl en batería (Ex batero de Nirvana y actual voz y guitarra de Foo Fighters) y al Señor John Paul Jones, bajista de la banda a la que estos dos primeros músicos que nombré le deben su amor por el Rock: Led Zeppelin.

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Origen de TCV

El nacimiento de esta rareza se dio aproximadamente en 2008, cuando reunidos en la casa de Grohl para su cumpleaños, los tres decidieron meterse en el estudio que Dave tenía en su garage, zaparon por horas. Ese fue el germen que dio vida a este supergrupo que hasta la fecha tiene lanzado un único disco,  titulado simplemente “Them Crooked Vultures”, que se podría traducir al español como “A esos Buitres Torcidos”. Se rumorea que para fines de este año o principios/mediados del que viene, estaría saliendo un nuevo disco de estudio de la banda que, en palabras de Grohl, “va a sonar más pesado que el anterior…”

Tapa de “Them Crooked Vultures”, el primer y único disco que la banda ha lanzado hasta la fecha.

Estilo e influencias

HARD ROCK. BLUES. PSICODELIA.

En cierta forma, podemos decir que TCV es un tributo al Rock de los 70´s, con un marcado estilo zeppelinero y con aires a The Who. La banda suena de puta madre, tiene guitarras distorsionadas al palo, Homme – quien además es la voz principal de TCV- le chorea un montón de riffs a Jimmy Page, con tal de demostrar que se los sabe, y hasta intenta superarlos. Sabemos que Dave Grohl tiene tatutado el símbolo de John Bonham (baterista fundador de Led Zeppelin) en tres partes diferentes de su cuerpo, creo que con eso basta aclarar el amor de este tipo por Bonham y Zeppelin. Y por último, nos queda John Paul Jones, un miembro original de Zepp, ¿qué más decir? A pesar de ello, hay mucho para hablar de este señor. Tecladista además, J.P Jones se destaca por tirar una líneas de bajo que se apoderan de las canciones, y le dan ese estilo único que le supo dar también a Zeppelin allá por los 60´s y los 70´s.

Homme, Jones, Grohl y el buitre insignia de la banda.

Sin más, les dejo les dejo un link para descargar vía Mediafire el disco en formato MP3 en una calidad de 320 kbps, la mejor frecuencia en lo que a MP3 respecta. Que lo disfruten…

Franzil

Them Crooked Vultures (2009)